МОНОfest: Рассказы от сердца к сердцу

За четыре дня было показано 10 спектаклей на трёх площадках: в «Доме актёра», «Сцене-Молот» и Театре юного зрителя. Каждый день шло по три (!) спектакля. Пообщавшись со всеми участниками фестиваля и проанализировав спектакли программы, предлагаем вам поближе познакомиться с таким необычным форматом, как моноспектакль.

Что было в начале?

Естественно, «В начале было слово» — фестиваль моноспектаклей, который проводился в Пермской филармонии с 1989 по 2002 год. За время существования в фестивалях «В начале было слово» приняли участие 118 артистов из 40 городов России. В качестве гостей свои работы показывали актёры из Голландии, Франции, стран Балтии, из Беларуси, Украины. Репертуарная афиша включила около 150 спектаклей. К сожалению, этот фестиваль был закрыт. Во многом, «МОНОfest» — это возрождение того, что было некогда в Перми. Вообще, подобных фестивалей моноспектаклей в России очень мало, один из самых известных — «Монокль», который проводится в Санкт-Петербурге раз в два года. Но такие фестивали театра одного актёра нужны тем, кто работает в этом жанре. В силу разных причин.

Нина Соловей, арт-директор фестиваля:

— Во-первых, у всякого фестиваля, если это конкурс, есть одна задача — состязание. Неважно даже, кто там победит или не победит. Возможность актёрам увидеть друг друга, возможность актёрам обсудить, как развивается этот вид жанра, это возможность зрителям увидеть спектакли, которые поставлены в других городах России. Это некая селекция, отчасти — анализ того, как развивается конкретный жанр, конкретный вид искусства — моноспектакль, то есть спектакль, где занят один актёр. Мне самой всегда нравился этот жанр. И во времена своего студенчества я ходила на фестиваль «В начале было слово». Мне он очень нравился. И есть люди, кроме меня, которым такой вид искусства близок, потому что это камерная обстановка, интимная обстановка, где не соврать, ничем не прикрыться, где всё видно.

Юрий Васильев, заслуженный деятель искусств России, профессор СПбГАТИ, режиссёр 17 моноспектаклей; на фестивале представлял 2 свои постановки «Пришли те, кто пришли» и «Тринадцатый апостол»:

— На фестивале моноспектаклей, в отличие от других, артисты, которые приезжают, должны видеть все спектакли. Это нужно, чтобы учиться и чтобы показывать, в каком направлении идём, что это за творческое высказывание. И тут уже важен не сам фестиваль, а фестиваль как повод собрать всех здесь, в эпицентре. Даже тишина, которая сегодня была в некоторых моментах (на показе спектакля «Тринадцатый апостол» — прим. авт.), совершенно сумасшедшая, вот ради этой тишины, не ради каких-то фестивальных забот.

Павел Руднев, председатель жюри фестиваля «МОНОfest» — театральный критик, театральный менеджер:

— В России осталось только два известных мне таких фестиваля — «Монофест» и «Монокль» в Петербурге. Есть ещё фестиваль в Каунасе, из ближайших к России. Их немного, и, кажется, их должно быть больше. Это фестиваль профессиональной школы.

Один в поле не воин, но один на сцене артист

Сам по себе моноспектакль, или театр одного актёра, — это спектакль, в котором на сцене находится только один артист. Такой формат требует очень многого как от артиста, так и от литературного материала. И моноспектакль должен быть именно спектаклем, а не литературно-музыкальной композицией. У моноспектакля довольно жёсткие требования. Из-за особенностей формата моноспектакль идёт не так уж и долго — около часа, что и позволило показывать на фестивале по три постановки в день. Все десять спектаклей были разными, но их объединяло одно: это всегда была какая-то история одной личности, одного человека, которую рассказывал артист. И делали это разными способами. Иногда это был простой рассказ, как в случае спектаклей «Вперёд и с песней» (15 мая, 11:00) в исполнении Заслуженной артистки Августы Кленчиной (Вологодский театр для детей и молодёжи, режиссёр — Народный артист РФ Борис Гранатов) и «Агата возвращается домой» (17 мая 11:00), «Сцены-Молот» в исполнении Алёны Котовой (режиссёр — Эдуард Бояков). В первом случае скупой рассказ вытягивал сильный материал, а во втором — личное обаяние молодой актрисы и великолепно сделанные визуальные эффекты. Кстати, это были единственные спектакли театра одной актрисы на всём фестивале.

Но были и серьёзно прожитые, и невероятно исполненные артистами на потрясающем эмоциональном уровне моноспектакли. Две подобные постановки объединяли тепло, свет, и комфорт, которые актёры излучали со сцены, за час с лишним буквально проживая вместе со зрителями судьбу своих героев. Первый — это «Новиченто» (16 мая, 16:00) — лёгкая, музыкально-джазовая, местами вальсурующая постановка о невероятном таланте пианиста Новиченто, выросшего на корабле. Сама по себе очень добрая и светлая история, правильно рассказанная и буквально прожитая обаятельнейшим артистом Владимиром Жуковым (театр «Выпускники-Щукинцы», режиссёр — Владислав Терещенко), который поведал историю не столько словами, сколько всем своим телом, демонстрируя отличное владение сценической пластикой.

Владимир Жуков, актёр, исполнитель спектакля «Новеченто»:

— Моноспектакль для меня — это всегда исповедь человека, который поучительно рассказывает увлекательную историю. В любом случае, это увлекательная история, которая затягивает зрителя. Рассказывать эту историю с точки зрения художника, а не только исполнителя, не только актера ещё и художника. Я глубоко верю, что актёр, выходящий на сцену, — это не только исполнитель, который просто читает текст. Это человек, который глубоко погружается в текст. И, в отличие от каких-то густонаселённых спектаклей, где есть партнёры, тут ответственность лежит целиком и полностью на одном актёре. И если он не прочувствовал, не прожил её, она не прошла сквозь него, то ничего не получится.

Похож по светлым эмоциям спектакль «Хочу в Париж» (18 мая, 11:00) артиста Нижневартовского городского драматического театра Евгения Наумова (режиссёр — Владислав Зайчиков). Это очень трогательная, немного наивная и остроумная в плане сценического решения постановка рассказа Михаила Веллера о простом советском рабочем, который с детства мечтал вырваться из советской серости в Париж. Артист очень зримо показал всю жизнь человека, стержнем которой является светлая мечта. В этом спектакле тоже много музыки — только французского шансона.

На контрасте с такими светлыми моноспектаклями смотрелась «Крейцерова соната» (16 мая, 20:00) Тюменского драматического театра, поставленный Александром Баргманом и исполненный Александром Тихоновым. Если очень грубо говорить, то этот моноспектакль по повести Льва Толстого можно смело назвать «бредом сумасшедшего». История дворянина, убившего из ревности жену, выдаётся как злобный, яростный и страстный поток сознания спятившего к концу человека. Артист работает на нерве, показывая невероятную страсть. Беда в том, что местами страсти было слишком много.

То, что моноспектакль может быть не только придуманной и вымышленной историей, но и быть основанным на реальной судьбе реального человека, доказал автор и исполнитель спектакля «Это я, Батюшков» (17 мая, 20:00) Григорий Печкысев (Театр «Пушкинская школа», Санкт-Петербург). Это была история современника Пушкина, поэта Батюшкова, который сошёл с ума. Артист очень эмоционально проживал эту историю, в качестве текста используя письма поэта и его стихи. Учитывая то, что показ происходил в фойе ТЮЗа, и мощный, хорошо поставленный актёрский голос эхом отлетал от стен старинного особняка, создавалось ощущение, что все зрители оказались у Батюшкова в гостях. К сожалению, из-за того, что артист совсем не работал со зрителями, складывалось ощущение, что хозяин позабыл о гостях.

Григорий Печкысев, автор и исполнитель постановки «Это я, Батюшков»:

— Этот спектакль — «Батюшков» — сам этот человек стал мне близок, я год с ним буквально жил, работал над инсценировкой. В этом есть ещё такой исследовательский интерес. А потом как актёру дать себе сложную задачу. Ведь моноспектакль — это самое рискованное дело для артиста. Потому что можно так от себя отвратить зрителя, ты его утомишь, и вся ответственность упадёт на тебя, артиста. В большом спектакле можно всё равно свалить вину на режиссёра, на инсценировку, на что угодно. Здесь всё абсолютно зависит от тебя. Такой ва-банк получается.

Программа «МОНОfestа» также показала, что моноспектакль может быть не только красиво и жизненно рассказанной историей, но ещё и смелым и отчаянным поиском новых форм, чего-то нового и необычного в театре. Примерами здесь служат монобалет Игоря Машукова «Молёбка» (15 мая, 16:00), исполненный худруком Театра «Балет Евгения Панфилова» Сергеем Райником, и закрывшая фестиваль постановка Юрия Васильева «Тринадцатый апостол» по поэме Владимира Маяковского «Облако в штанах», исполнителем которой стал артист Петербургского театр «Цехъ» Евгений Кыхалов (КЫХ). В этом яростном и мощном моноспектакле, старательно подражающем стилю футуризма, стихи Маяковского артист своей игрой превратил не то в музыку, не то в танец, правда, смысл стихов куда-то высыпался, а зритель в ответ на исходящую агрессию со сцены занял оборонительную позицию. Но это тоже эмоция, а значит, этот спектакль тоже по-своему добился цели.

Но самым главным экспериментальным спектаклем фестиваля стала постановка «Двое» (16 мая, 16:00) московского артиста и режиссёра Алексея Размахова. Это удивительный литературный и технический эксперимент по сопоставлению судьбы главного героя «Горя от ума» Чацкого и его автора — Александра Грибоедова. Обоих он выводит в определяющих их судьбу моментах — на грани изгнания для одного и смерти для другого. Действие происходит будто в воображаемой комнате (очень тесное фойе «Дома актёра»), в которой в разных половинах живут Грибоедов и Чацкий. Переходы из одной в другую сделаны очень органично — во многом благодаря активнейшему использованию современной техники — в постановке занято множество ноутбуков и планшетов, на которые выводятся фото и видео. Редкий пример современной постановки, где форма не мешает содержанию, а, наоборот, будоражит фантазию зрителя. И то, что зритель представляет, важнее, чем то, что он видит. Алексей Размахов даже не особо актёрствует, рассказывая историю, переключая различные гаджеты и то и дело выводя зрителей на сцену, но ему удаётся пробудить фантазию всех сидящих в зале.

Алексей Размахов, режиссёр и исполнитель спектакля «Двое»:

— Это не чисто актёрская работа. Скорее, призыв подключать зрителя к этой истории, чтобы они представляли себе, чтобы они воображение включали, погружались в эту историю. Диалог со зрительным залом. Попытка визуализировать замысел. Чтобы зритель увидел то, что мы хотели показать, чтобы из этого складывалось не просто впечатление, что картина стоит, декорация. А тут ничего не было, ничего не стало, ничего и нет. А в голове я ухожу с целой историей. А вот ничего вроде не было, ничего не осталось, а ощущение есть. Театр — это воздух.

Волшебная сила искусства

Оказалось, что фестиваль моноспектаклей может показать артиста не только как исполнителя или художника, но и как сильную личность. Беспрецедентный пример буквально оживляющей мощи искусства, преданности профессии и силу таланта показал Заслуженный артист России, актёр Самарского академического театра драмы им. Максима Горького Олег Константинович Белов. Он играл в монодраме Юрия Васильева «Пришли те, кто пришли» по повести Саши Соколова (17 мая, 16:00). В этой постановке нет сюжета, как и в повести, но Олегу Белову удалось очень ярко, живо и органично сыграть и прожить не только роль главного героя — мальчика с раздвоением личности, но и многих других персонажей. Белов — опытнейший артист, это его третий моноспектакль в карьере.

Кстати, с первым своим моноспектаклем «До первых петухов» по произведениям Василия Шукшина он получил главный приз фестиваля «В начале было слово» в 2000 году. Он прекрасно знает, как надо работать в таком жанре. Поэтому тем, как актёр быстро меняет «маски», моментально переходя из одного образа в другой, можно залюбоваться. Благодаря этому, а также прекрасному тексту Саши Соколова, «Пришли те, кто пришли» становится завораживающей постановкой, зритель буквально погружается в мир главного героя. Олег Константинович весь, целиком, до последнего нерва, отдаётся роли, потому что это его спасение. Ведь артист Олег Белов наполовину парализован после инсульта. Но эту роль Юрий Васильев предложил Белову именно после его болезни и попал в точку. Это дало спектаклю невероятную, невозможную в театре правдивость и спасло артиста, который в этой постановке, несмотря на болезнь, «порхает» по сцене и по ролям.

Олег Белов, заслуженный артист России, артист Самарского академического театра драмы им. Максима Горького, исполнитель роли в спектакле «Пришли те, кто пришли»:

— Этот спектакль, так как я люблю свою профессию, вытянул меня из этой болезни, он меня спас. Другие режиссёры боялись: ну что с парализованным работать, как с ним работать, а здесь человек пошёл со мной в это плаванье. И я ему так благодарен, потому что он меня спас этим. Я снова почувствовал, что я артист.

Сам себе режиссёр

В жанре моноспектакля остро стоит проблема режиссуры. Вопрос того, кто делает спектакль. Ведь в конечном итоге одни на один со зрителем остаётся артист. На «МОНОfestе — 2015» невольно выделили эту проблему, ведь в программе были как режиссёрские постановки, так и спектакли, целиком сделанные исполнителями. Но, кроме режиссуры, артисты в моноспектаклях сталкиваются с необходимостью личного высказывания и с рядом других проблем.

Павел Руднев:

— Сегодняшний театр стал в большей степени жёстким режиссёрским, а моноспектакль не может основываться на жёсткой режиссёрской концепции, поскольку взгляду зрителя некуда деться, кроме как смотреть на артиста. Поэтому моноспектакль — этот тот жанр, где артист должен перестать быть исполнителем и стать автором и личностью на сцене. Сейчас идёт дискуссия в театральной среде: кто такой артист — исполнитель или автор? До сих пор спорят. В моноспектакле исполнительская роль уходит на последний план. И моноспектакль не создать, не будучи личностью, и без проповеднической исповедальной интонации невозможно быть театром одного актёра. Это какая-то личная тема.

Юрий Васильев:

— Это спектакли, принадлежащие не режиссёру, не театру, а исключительно монопредставление самого актёра. Это всё его. Он должен делать всё, рождать всё, придумать всё сам, он должен всё выстроить сам и сам извести режиссёра и любого другого, кто ему помогает: художника, костюмера, специалиста по свету, по звуку. Он должен всё организовать сам, всех извести. В данном случае он должен высчитать, придумать, сочинить, и не просто его должно повести воодушевление, а он должен управлять всем пространством. Должен задумать и придумать композицию, и написать её должен сам актёр. Как бы ему ни было плохо, как бы он ни умел писать, сочинять, монтировать, ни соображал, он должен всё равно сломать себе рога. Он должен погибнуть на этом. Задача режиссёра здесь — помочь артисту или вместе с артистом родить и умереть. Вот он сделал, и всё. Моих идей много. Но он не догадывается, какие это идеи. Вот если мне это удалось, тогда всё идеально.

Григорий Печкысев:

— Самое сложное — удерживать внимание одному. Зрители не зря боятся моноспектаклей, потому что это всегда риск для актёра и для зрителя. В моноспектакле главное — актёр, и очень редко можно найти симбиоз актёра и режиссёра. Надо, чтобы режиссёр увлёк так сильно актёра, либо актёр так сильно хотел что-то сделать. Мне кажется, там как раз главное — личностное высказывание какое-то. И если оно есть в моноспектакле, то он имеет право на жизнь. А что легко — в моноспектакле любой актёр волей-неволей обязан выстраивать перспективу, которую иногда актёры в большом спектакле теряют, потому что всегда партнёр, можно потеряться, но только если у тебя не совсем главная роль и на тебе всё это висит. Моноспектакль — это, наверное, главное испытание для артиста. Но это не значит, что каждый актёр обязан в своей жизни сыграть в моноспектакле. Может, я моноспектакли делаю, оттого что у меня есть некий кризис доверия, и я, например, все свои моноспектакли делал сам. Потому что мне самому хочется что-то сказать и в чём-то поработать.

Олег Белов:

— Когда меня журналисты спрашивают: «Трудно или легко играть моноспектакли?», я говорю: и трудно, и легко. Мне говорят: «Почему?». Я говорю: трудно, потому что никто не помогает, а легко — потому что никто не мешает. Но это я шучу, конечно. И это всегда раскрытие душевное. Хотя театр всегда предполагает снятие кожи, но здесь без этого ВООБЩЕ нельзя. Здесь ты обязан себя раскрывать. Артисты говорят: «Не могу открываться до такой степени», — но моноспектакль без этого сделать нельзя. Тогда лучше не браться за моно, тогда лучше тихо существовать в драматическом театре. Средне существовать, и всё. А тут разворачиваешь душу, снимаешь кожу. Только так.

Раздача котов

«МОНОfest — 2015» — это в первую очередь фестиваль-конкурс. То есть все 10 спектаклей соревновались за приз — симпатичную статуэтку кота — и возможность показать свой моноспектакль на следующем фестивале.

Кроме того, был назначен приз зрительских симпатий — после каждого спектакля зрители голосовали за понравившуюся работу.

Во время фестиваля жюри устраивало детальные и очень интересные обсуждения, ощущения от которых на закрытии фестиваля Олег Белов сравнил с чтением хорошей книги. К сожалению, обозначенный в программе круглый стол о проблеме жанра моноспектакля так и не состоялся. Зато удалось провести мастер-классы Юрия Васильева, а также встречи с артистами для студентов Пермской академии искусства и культуры. Жюри очень тепло отзывалось о программе фестиваля, отмечая, что на нём не было ни одной слабой постановки.

Церемония закрытия фестиваля 18 мая началась с того же, с чего и открытие 15 мая, а именно — с почтения памяти артиста Алексея Валерьевича Девотченко. Год назад он был членом жюри «МОНОfestа» и всячески помогал в его организации. Его очень ждали и на этом фестивале, но он скончался в ноябре 2014-го. Поэтому «МОНОfest — 2015» был посвящён светлой памяти артиста.

Сначала специальные призы получили Владимир Жуков — за артистическое обаяние в спектакле «Новеченто» и спектакль «Агата возвращается домой», а также Алёна Котова — за гармоничное сочетание актёрской индивидуальности и художественного решения спектакля.

Призовые места распределились весьма интересным образом. Лауреатом третьей степени стал Алексей Размахов за свой смелый эксперимент в спектакле «Двое». Второе место досталось потрясающему артисту, победившему все невзгоды, — Олегу Белову за спектакль «Пришли те, кто пришли». А диплом первой степени достался Евгению Наумову за спектакль «Хочу в Париж!». Приз зрительских симпатий получил Александр Тихонов за спектакль «Крейцерова соната».

Фестиваль «МОНОfest — 2015» закончился, но оставил совершенно особенное впечатление у каждого зрителя.

Елена Порошина, зритель фестиваля:

— Фестиваль моноспектаклей отличается от всех остальных какой-то атмосферой доверительности. Ощущение, что тот месседж, который транслирует актёр, обращён к тебе. И ещё есть атмосфера камерности. Из-за этой камерности создаётся атмосфера доверительности, какая-то очень домашняя, очень тёплая. Фестиваль моноспектаклей — очень показательный в плане чистоты актёрской работы фестиваль. Ведь ты не можешь спрятаться. Ты как актёр должен полностью владеть этим временем спектакля. Ты должен быть абсолютно честен. Возникает ощущение, что происходит диалог от сердца к сердцу. От сердца актёрского к сердцу зрителя.